Mentiras Sinceras – Julian Fellowes

Aí, aí, aí, cadê minha paciência ? Depois de ter assistido Match Point, fui em seguida assistir este filme, que creio ser seu primo-irmão, só que sem um Woody Allen para ajudar. Mais um filme que mostra todo pedantismo da classe média inglesa, os esnobes, adoradores da rainha.

Este filme tem feito sucesso em Sampa, lembro que sua estréia foi apenas em uma sala do Frei Caneca (na menor), hoje está em várias salas, inclusive foi para uma maior no próprio Frei Caneca. Vai entender esse povo. Por isso comparo com o filme de Allen, que também tem feito muito sucesso e está há semanas em cartaz.

Há que se deve o sucesso desse filme? Ambos falam da alta sociedade inglesa e do que se é capaz para fazer parte dela; quem não está quer entrar, quem está dentro não quer sair. O segundo caso é o que temos nesse filme.

Um casal que tem uma vida perfeita (será?), tem seu cotidiano modificado por um acidente com o marido de sua “serviçal” Basta um pouco de vento, e sujeiras começam a sair dos cantos da linda casa do casal. Revelações inesperadas e conflitos começam a aparecer de uma hora para outra na vida desse casal vivido pelo sempre competente Tom Wilkinson e a chata da Emily Watson. Entre choros, traições e separações, tudo influi para a reconciliação do casal. Afinal, o que importa mesmo é manter o “status quo”, o jeito fino, elegante e inglês de ser.É preciso tomar o chá das cinco. Bah!

Ponto Final – Woody Allen

Para mim, é motivo de feriado quando Allen, Almodóvar ou Clint, lançam um novo filme, sou muito fã destes diretores, e acabo assistindo seus filmes até em pré-estréias. Estranhamente, este último Allen, só fui assistir um mês após a estréia.Talvez, meu sexto sentido, tenha feito eu demorar tanto, achei uma decepcionante ida de Allen ao universo londrino.E olha, que mesmo os filmes considerados fracos dele, eu adoro.

Uma história semelhante a essa,que foi “Crimes e Pecados”, já foi muito bem explorada pelo diretor. Aquela se passava em Manhattam, agora o cenário é Londres. No outro, tínhamos Martin Landau e Angélica Huston, neste temos Jonathan Rhys-Meyers (Chis Witton) e Scarlett Johansson (Nola Rice), e é aqui que começam os problemas. Os atores estão muito aquém da batuta do mestre Allen, principalmente Jonathan, que não consegue passar toda fria angustia do personagem. E olha que Woody é sempre muito generoso na direção de seus atores, deixando com que brilhem a vontade, como exemplo, posso citar Diane Wiest, que abocanhou duas vezes o Oscar (Hannah e Suas Irmãs e Tiros na Broadway) sobre a direção do mestre.Outros atores ganharam prêmios por seus trabalhos com Allen.
Outro problema que vejo, por incrível que pareça, é o roteiro do filme, me parece pouco trabalhado, falta densidade, o que nos outros filmes “sérios” sobrou, talvez isso tenha haver com a direção também.

O enredo gira em torno do personagem Chis Witton, ex-tenista medíocre que, aposentado das quadras, vive dando aulas aos ricos londrinos. Nisso ele conhece sua (futura) esposa, que é personificada por Emily Mortiner (Chloe Hewwett Witton).Alias, este papel seria de Kate Winslett, que desistiu em cima da hora, realmente uma pena Ela serve de ponte para ele alcançar o que almeja, como um bom emprego e alto nível social. Mas ele acaba conhecendo Nola Rice, seus instintos falam mais altos, e se tornam amantes. Chega uma hora em que ele se vê sendo obrigado a decidir pela louca paixão com Nola ou sua boa vida ao lado da esposa. Ele faz sua escolha e é obrigado a conviver com ela, isto é, pagar o preço da escolha.Só no final do filme. Quando Chis conversa com suas “vítimas” é que senti aquele lampejo familiar de uma obra do diretor, mais é pouco, muito pouco.

Breve, Woody Allen fará um outro filme em Londres, alega ter liberdade para fazer o que bem entende, vamos ver se ele se sairá melhor. Mas a minha primeira impressão é de que a troca do café pelo chá, e do tradicional jazz pela ópera não lhe fez bem. Manhattam lhe espera.

Paradise Now – Hany Abu Asad

Depois de ter assistido e ter agüentado o chato do Munique - Spielberg (que já foi um dia meu cineasta preferido) e o chatíssimo Free Zone de Amos Gitai, fiquei indeciso se iria assistir à mais um filme envolvendo a questão Palestina. A curiosidade acabou vencendo, afinal este filme parte do principio de nos mostrar as últimas 48 horas na vida de dois jovens, Ali Suliman (Khaled) e Kais Nashef (Said) que decidem se entregar a uma “missão santa”, são homens-bomba, prestes a morrer pela causa que acreditam.

Dois amigos inseparáveis desde a infância, aceitam essa missão como obra maior da luta de seu povo. Mas o que os move para a missão suicida é mesmo a fé inabalável? Até então, juntos, eles estavam completamente seguros de si, basta algo dar errado e se afastarem para as coisas mudarem.Aos poucos , seus perfis vão se definindo a nós espectadores, certezas e dúvidas aparecem. Principalmente quando uma moça, a bela Lubna Azabal (Suba), tem contato com os dois suicidas. Em cada um, ela toca de uma maneira, de um jeito, e tem papel fundamental na reviravolta que acontece na vida daqueles rapazes e em seus futuros.

A covardia e a coragem vão se revelando de maneira ambígua, através da conversa com Suba, em cada um deles. Não haverá outra maneira de se lutar nesta guerra? Em pouco tempo, o que era certo para um, fica duvidoso, e ao contrário para o outro.

Nunca entendi e acho difícil um dia entender essa guerra toda no Oriente. Sou ocidental, penso como ocidental, e me parece às vezes que estamos em dois mundos diferentes no mesmo mundo. Mas o que nos une e faz nos parecermos é os sentimentos de amor e amizade. É isso, e através disso, que podemos chegar em algo perto da convivência entre diferentes povos.

Um filme rápido, necessário. Duro e seco como uma porrada no estômago. Sem a diplomacia de Spielberg, sem os ranços poéticos de Gitai.

Sra Henderson Apresenta – Stephen Frears

Se eu pudesse definir este filme em apenas uma frase, seria: “Não decola”. Este é um daqueles casos em que o filme não faz jus à história que conta, que por sinal é verídica.

Uma viúva excêntrica e rica, resolve comprar e reformar um teatro, para isso ela contrata um gerente (Bob Hoskins) para a empreitada.Eles começam a produzir peças teatrais. Acontece que a guerra começa, e este lugar acaba sendo um dos únicos, senão o único a continuar a encenação de peças, mesmo em meio à invasão de Londres pelas tropas nazistas. Em meio a uma guerra assustadora , soldados e civis encontram abrigo e sonhos neste teatro, que ainda por cima, através de uma brecha na lei, conseguida pela viúva, mostra ineditamente, cenas de nudez no palco. Aquilo acaba sendo uma dádiva para aqueles soldados que estão prestes a partir para o front de batalha.

A “superestimada” Judy Dench (me parece que sempre faz o mesmo papel), dá conta do recado, mas parece que faltou ousadia e empenho na direção de Frears, parece que ligou o piloto automático.Uma grande história verídica num filme mediano, uma pena...

As Chaves de Casa – Gianni Amélio

Relutei muito em assistir esse filme, achava que iria ser um melodrama besta, usando o artifício da deficiência física para fazer chorar. Até que um amigo disse que eu estava enganado, e ele estava certo. Este filme é tocante. Lembra os grandes dramas italianos que há tempos não vejo.

Conta o encontro de um pai (Andréa Rossi) e um filho deficiente físico e mental (Kin Rossi Stuart). O garoto fora abandonado pelo pai assim que nasceu, sendo criado pelos tios maternos. Depois de quinze anos eles se encontram. O pai resolve acompanhar, por ordens médicas, o garoto numa viagem à Alemanha, para um tratamento que ele faz anualmente. Daí se desenvolve todo o enredo, desde o encontro dos dois até a aproximação difícil.

Chega um certo momento do filme, que comecei a me questionar sobre quem na realidade era o deficiente ali mostrado, o filho ou o pai? Pois, se um pedia cuidados físicos, o outro demonstra perceber sua deficiente moral para com o filho.Sua ausência incorrigível por todos aqueles anos.

Outra personagem importante aparece no filme, personificada por Charlote Ramphing, que faz o papel de mãe de uma deficiente, ela diz em um certo momento sobre a filha: “Por que ela não morre” . Isso é muito tocante, pois vemos o grande amor de mãe pela filha. Mas esse amor é carregado de mágoas.

Deve ser muito difícil passar por uma situação dessas, mesmo com muito amor. Pois apesar de nos acharmos bons e amáveis, carregamos, todos nós, um lado escuro no peito, e tem horas que esse lado aflora nos cobrando uma atitude egoísta, ou melhor, individualista. Acredito que quem mais sofre nestes casos, não é o deficiente e sim as pessoas que estão próximas. Parece até que aquele ser veio ao mundo para mostrar a todos, como somos pequenos perante o universo, perante Deus.

Numa das últimas cenas do filme, vemos pai e filho numa imensa estrada deserta, eles parecem perdidos no mundo e entre eles mesmos, naquela difícil aproximação que temos uns com os outros, mesmo com os mais próximos, pois existe o universo que habitamos e aquele que existe dentro de nós.É que estamos, só de passagem, se aperfeiçoando. Alias, é nisso que acredito. Só não sei para quê e para onde?

Crime Delicado – Beto Brant

O melhor de 2006 (por enquanto)

Crime Delicado – Beto Brant

Com a frase sussurrada ao ouvido de Dirá Paes: “O pudor é o maior dos pecados”, Chico Assis faz uma participação pequena em seu próprio filme, o irregular Amarelo Manga. Neste filme, ele também faz uma pequena participação, em que num botequim da Vila Madalena, diz ao personagem Antônio (Marco Ricca): “Eu amo mesmo, quem não ama rasteja. E você, bundão?”. A partir desta cena, vemos acontecer os fatos, que farão Antonio praticar o crime delicado do título, se é que ali foi cometido algum crime.

Enquanto observador, Antonio se mostra seguro de si, como vemos na cena em que há um diálogo maravilhoso entre ele e a atriz de “Leonor de Mendonça” (Maria Manoella), peça à qual ele acabara de assistir, assim como nós espectadores, juntamente com “Wolzeck” e “Confraria Libertina”.Até certo momento seguro, quando ela quebra a sua resistência, ele se vê literalmente em um palco sendo assistido e ridicularizado.

"Todo homem é um abismo. A gente fica tonto quando olha para dentro dele" frase da peça "Wolzeck", cabe bem ao personagem de Ricca.

Constante observador, crítico de teatro, ele é um expectador da vida e de peças de teatro, sempre a observar, pelos bares, a vida de outras pessoas, não se envolve, só observa. Até que conhece Inês (Lílian Taubleb), por quem se apaixona. Inês vive uma relação ambígua e intensa com um pintor, sendo musa de suas pinturas.Com a perda da segura posição de espectador, Antonio já apaixonado, anseia pela posse de Inês e nasce o ciúme. A partir daí, é como se ele saísse da platéia e fosse para o palco, protagonizar a ação de sua própria vida, com conseqüências que mesmo ao final do filme, ficam em aberto, o certo é que ele começa a cair, perde o prumo.

Cada cena do filme funciona por si só, são independentes, como quadros que no final se interagem, e nestas cenas, não há praticamente nenhum tipo de movimento de câmera, assim como os trechos de peças já mencionados, a câmera praticamente fica parada em todas as cenas. Ao contrário dos outros filmes de Brant, onde havia movimento intenso não só das câmeras, como de cores também. Beto Brant ousou e acertou em cheio.

Essa ousadia fica explícita na cena maravilhosa em plano-sequência que acompanhamos por longos minutos, a produção de um quadro, desde o rascunho até o acabamento final, e finalmente exposto em uma galeria. Um filme incomum, que coloca Beto Brant definitivamente no primeiro time do cinema nacional, até pode-se dizer que seja uma pérola para poucos. Para se ver e rever sempre.